Soy Quien Amas en la Sombra - Reseña

Generalmente, las personas adultas leemos un tebeo por su autor, por su temática o por su género. Si este nos deja un gran poso, o nos hace reflexionar, lo empezamos a catalogar como “una gran obra”; ya que habrá conseguido interactuar con nuestras ideas, o con nuestra concepción de la vida. Pero ¿Qué pasa cuando el lector es una persona inexperta?¿cómo interpreta la historia un joven cuyas ideas aún están sin formar?

El comic para adolescentes, a diferencia del comic infantil, es un filón poco explotado hasta el momento; aunque es cierto que poco a poco se va abriendo hueco en el mercado. Por ejemplo,  la serie “Heartstopper” de Netflix ha conseguido que muchos jóvenes se acerquen a la obra original de Alice Oseman; pero tampoco es un fenómeno muy habitual.

No obstante, existen autores que llevan una larga carrera perseverando en crear comics para este sector tan desatendido de lectores. Uno de los más famosos es el guionista y dibujante Skottie Young, quien se ha esforzado siempre por escribir tebeos que su hijo pudiera leer. Hoy tratamos una de sus obras más recientes, “Soy Quien Amas en la Sombra”.

Para su realización Young se alió una vez más con el dibujante Jorge Corona y el colorista Jean-François Beaulieu; con quienes ya compartió la exitosa serie de “Middlewest”. Al igual que esta última, “Soy Quien Amas en la Sombra” fue publicada originalmente por Image Comics y nos ha llegado de la mano de Norma Editorial. Desgraciadamente, esta no es una serie tan longeva, pues apenas se compone de 5 números. No obstante, dada su crudeza, el mensaje que esta nos ofrece cala incluso más que el de la ya mencionada “Middlewest” en todo tipo de lector.

En ella conocemos a Ro, una joven pintora que decide alquilar una casa en un pequeño pueblo del medio-oeste americano en la que poder aclarar su mente y buscar esa inspiración que ha perdido. Lo que Ro no sabe, o se resiste a creer, es que la casa está encantada; y su incredulidad se ve hecha añicos cuando descubre que, en su interior, efectivamente, vive un fantasma.

Sin duda, esta historia tiene mucha más enjundia de lo que la premisa deja ver. Es verdaderamente difícil hablar sobre la profundidad de esta obra sin pisar el spoiler; de modo que diré que habla sobre las relaciones humanas, el trato que damos al prójimo y lo inadecuados que podemos llegar a ser para otras personas.

Al igual que lo hizo con la fantasía en “Middlewest”, Young se sustenta en el terror para abordar esta delicada temática que tan arduo es no desvelar. La narrativa es super ágil, apenas hay texto y deja que el dibujo del magnífico Jorge Corona hable por sí mismo; quien sigue su propia estela y da un paso más en su trayectoria. Su dibujo sigue estando cargado de tintas, pero es un poco más limpio que el del propio Skottie Young. Apoyado por el color de Jean-François Beaulieu, estos dos autores han demostrado ser el tándem perfecto para el guionista de Illinois; ya que siguen los pasos de su dibujo mejorando sus carencias.

Para finalizar, hay que aclarar que pese a ser un comic dirigido al público adolescente, no significa que los lectores adultos no podamos leerlo y disfrutar con él. De hecho, muchos adultos al leerlo reflexionarán sobre viejas experiencias vividas, cosas que hicieron mal, cosas que dejamos pasar… Sin duda todos tenemos algo que aprender de este comic. 

La sombra sobre Innsmouth - Reseña

Howard Philips Lovecraft es sin duda uno de los autores más aclamados del siglo XX; y es que su influencia en el género de terror es inabarcable. La creación de los mitos de Cthulhu, los Primigenios, los Profundos, el uso de la locura o el terror al océano son obra suya; una clara influencia para todos los autores del género en la actualidad. De hecho, parece que los autores estuvieran obligados a referenciar a Lovecraft siempre que coquetean mínimamente con el terror.

El cómic, una vez más, no es ninguna excepción, pues muchas son las adaptaciones y guiños a las novelas del célebre autor. Autores con Joe Hill (“Locke & Key”), Junji Ito (“Uzumaki”), o Gō Tanabe (“Mr. Nobody”), que es quien nos ocupa hoy, son grandes referentes del comic de terror; y no esconden su influencia por el terror cósmico, incorporándolo constátenme a sus tebeos.

Si por algo se le conoce al autor Gō Tanabe es, precisamente, por la adaptación de las novelas de Lovecraft al manga (sin desmerecer a la gran obra que es "Mr. Nobody"). Planeta Comic es la encargada de traernos estás adaptaciones, y, de momento, en España contamos con "Las Montañas de la Locura", "El Color que cayó del Cielo" y, recientemente, "La sombra sobre Innsmouth".

En esta última se nos presenta la historia de un estudiante que, con la intención de conocer sus orígenes, decide emprender un viaje a Arkham para revisar los archivos familiares. Hay que aclarar que en la América de comienzos del siglo XX era bastante común desconocer la procedencia genealógica – incluso hoy lo es –. A su vez, este viaje le servirá como nexo con su tío, quién de joven emprendió el mismo viaje y recientemente se ha suicidado. 

Durante su viaje se ve obligado a hacer un alto en un extraño pueblo: Innsmouth. No solo es curiosa su arquitectura de este particular pueblo, sino que su gente posee unos extraños rasgos (como si de otra especie se tratara) y es, cuanto menos, reacia a entablar conversación con forasteros. Ante esta circunstancia, nuestro protagonista se ve en la necesidad de querer saber qué esconde el pueblo, lo cual tendrá unas consecuencias que él poco puede imaginar...

Poco hay que decir del guion de Tanabe, pues se ciñe a plasmar la novela (en ciertas ocasiones de forma literal) en las viñetas. Es en su dibujo donde reside la magia, y es que las capacidades de este autor son cada vez más asombrosas. A lo largo de las tres obras antes mencionadas se puede percibir una evolución muy clara de ellas. En "Las Montañas de la Locura" veíamos algunos planos en los que el abuso de tintas dificultaba la legibilidad del plano. En este manga eso no pasa en absoluto. Al contrario, la mayoría de los escenarios que aquí se muestran parecen rozar el foto-realismo.

Por otro lado, estás adaptaciones tiene un elemento común sobre el que se sustentan la mayoría de sus críticas negativas: las caras de los personajes. Las expresiones faciales de susto, miedo o intensidad son una constante, cosa que no a todos los lectores convence. No obstante, los tres relatos son aterradores, y es evidente que cualquier persona en la situación de los protagonistas estaría aterrada durante estos acontecimientos – personalmente, veo lógico el uso de estas expresiones; y el hecho de que no las haya modificado o perfilado, demuestra que están dibujadas a propósito –.

Independientemente del aspecto de sus personajes, es admirable como el autor imagina los elementos que la obra original deja "libre" a la imaginación. El aspecto de los habitantes de Innsmouth, por ejemplo, es realmente desagradable; y no cabe duda de que Gō Tanabe se ha informado al máximo para asemejar el dibujo a cómo los imaginaba el propio H. P. Lovecraft.

Por último, lo mejor de estos tres relatos es descubrir cómo las historias que leemos en la actualidad se sustentan en muchas de estas historias. Japón ha demostrado ser una fuente de calidad en lo que al comic de terror se refiere, pero todo tiene un origen y una influencia. Por tanto, estos tres mangas (cuatro en realidad) son altamente recomendables para todo lector aficionados al terror, y no digamos seguidores de Lovecraft. 

Ice Cream Man - Reseña

El género de terror es un género atemporal que siempre tiene éxito, ya sea en cine, arte o literatura, y es que parece que al público le gusta pasar miedo. En el cómic, no solo es atemporal, sino que parece ser un género al alza. Cada vez son más los autores que realizan sus pinitos en este tipo de historias; lo cual es comprensible, pues series como las del sello Hill House Comics (Joe Hill) o “Hay algo matando Niños” (James Tynion IV, Werther Dell’Edera) han demostrado que el terror es más que capaz de hacer la competencia al género comiquero por excelencia: el de superhéroes. 

El cómic que hoy nos atañe, "Ice Cream Man", no es tan exitosa como las obras anteriormente mencionadas al no estar escrita por autores de tal renombre. No obstante, la calidad más que notable de la serie y el boca a boca entre los lectores, parece estar colocando esta historia en el lugar que le corresponde poco a poco.

La obra corre a cargo de los autores W. Maxwell Prince (guion), el argentino Martín Morazzo (dibujo) y Chris O'Halloran (color). Pese a que ninguno de ellos cuenta con una extensa carrera en su haber, auguran un largo recorrido; ya que han sabido plasmar a la perfección una historia entretenida, dinámica y bastante original.

La serie es originaria ni más ni menos que de la editorial Image; pero a nosotros nos llega de la mano de la joven editorial Moztros; editorial que, en su corta existencia, ha sabido buscar su lugar rellenando el vacío en ciertos nichos del mercado de cómic americano. Recientemente, la editorial ha publicado el segundo volumen; es decir, tenemos disponibles los 8 primeros números de los 34 números que componen la serie hasta el momento y que ya se han publicado en Estados Unidos.

El primer volumen contiene los primeros 4 números de la serie. En cada uno se nos ofrece un relato corto en el que se sucede algún tipo de episodio trágico, o es una historia costumbrista que acaba teniendo un desenlace nefasto. A priori, estos relatos no tienen mucho que ver entre sí; sin embargo, todos poseen un mismo hilo conductor: el tétrico vendedor de helados, que parece estar detrás de todas las desgracias que suceden en este pueblo – cuyo nombre aún no ha quedado esclarecido –.

La historia tiene es sabor que nos evoca a la obra de Stephen King, lo cual es un buen reclamo hoy en día; ya que muchos éxitos actuales se sustentan en su obra, como, por ejemplo, la aclamada “Stranger Things”. En concreto la serie posee un particular regusto a la novela “It”, lo cual pone en duda la anterior apreciación de serie "bastante original". Y, sin embargo, lo es, pues los relatos que en ella se cuentan son muy frescos, actuales, y muy originales. Además, el guion es muy ágil y deja mucho espacio a que el dibujo hable por sí solo.

El acabado visual, es digno de admiración. Por lo general es un acabado típico de cómic americano bien tratado, pero lo que marca la diferencia es la expresividad en las caras; especialmente la del heladero. El uso de las sombras en su rostro es impecable, produciendo una sensación real de inquietud en el lector. En ciertos aspectos, recuerda a los rostros que “Paul Azaceta” dibujaba en los protagonistas en la serie de “Outcast”.

Personalmente, no soy muy seguidor del catálogo de Moztros, pero he de decir que esta obra me ha sorprendido para bien. En general, el primer volumen es un muy buen comienzo para una serie que – estoy seguro – oculta más de lo que parece a primera vista. Es cierto que algunos de los pasajes parecen sacados de una epifanía, y que la portada puede echar para atrás en un primer instante. Pero si se le da una oportunidad es una serie muy disfrutable y un tomo que deja con ganas de más.

Battlefields: Querido Billy - Reseña

Llega la segunda entrega de la serie “Battlefields”: “Querido Billy”. Como sabéis, esta es el resultado de la recopilación de relatos cortos que Garth Ennis escribió sobre la Segunda Guerra Mundial (o al menos en su mayoría) para la editorial Dynamite Entertainment, del mismo modo que lo hizo anteriormente para la editorial Vertigo con la serie “War Stories”.

En esta ocasión, el autor irlandés se junta con el dibujante Peter Snejbejerg y el colorista Bob Steen. Snejbejerg trabajó con Ennis en algunos números de la famosa serie “Predicador”, y al igual que pasaba con “the Boys” y “las Brujas de la Noche”, el acabado gráfico de “Querido Billy” es muy similar al de “Predicador”.

Esta vez, nos hablan de un frente no tan popular de la guerra: la invasión japonesa de Singapur. Si bien es cierto que las batallas más sonadas del conflicto son, por lo general, las del frente occidental (quizá porque nos tocan más de cerca), los japoneses dieron algo más que dolores de cabeza a sus países vecinos. La brutalidad del ejército nipón en el campo de batalla, así como fuera de él, rozó la de los alemanes; y, gracias a este tipo de relatos, podemos conocer qué sucedió en los frentes orientales.

Cabe destacar que, una vez más, la historia no es un relato contado desde un punto de vista maniqueo (cosa que ya hacía la pasada entrega). Por ejemplo, en los extras del tomo, el autor trae a colación las atrocidades cometidas por el ejército aliado durante la liberación de estos países.

“Querido Billy” nos sitúa el mismo año que lo hacía la primera parte de “Battlefields”, principios del otoño de 1942, solo que esta vez nos vamos al sur de China durante la invasión japonesa. Una enfermera llamada Carrie es capturada por el ejército invasor, y se ve sometida a horrores que ni en sus peores pesadillas podría imaginar. Por azares del destino, la mujer se salva y comienza a trabajar como enfermera de un hospital del bando aliado. Allí conoce a un piloto estadounidense herido: Billy. Pronto conectan, pero los estragos de la guerra y las secuelas a causa del cautiverio supondrán un gran obstáculo para que su relación salga adelante…

A priori, cabe pensar que se trata de una simple historia romántica, pero es mucho más que eso. En apenas 80 páginas, esta historia habla del amor, la libertad, la disyuntiva entre el bien y mal, la felicidad y de como una mala decisión puede ser el mayor de los impedimentos para conseguirla.

Por otro lado, el estudio previo que Ennis realizó para esta entrega no fue tan exhaustivo como el del primer volumen de la serie. Es cierto que los datos históricos que se proporcionan son reales al 100% y que para escribir el personaje de Carrie se basó en algunos testimonios, pero la historia que se nos cuenta es pura ficción. No obstante, pese a que esto parezca un punto negativo, no supone un detrimento para la serie. Al contrario, la calidad de este comic supera con creces al del anterior; ya que la reflexión que genera en el lector es mucho más sesuda que la de “las Brujas de la Noche”. Además, el recurso narrativo que utiliza el irlandés añade mucha emotividad, tristeza y pesar a la trama.

Es una historia dura y emocional, no recomendada para lectores en momentos bajos; ya que no podría transmitir más emociones en tan pequeño contenido. Es evidente que no va a cambiar la vida de ningún lector, pero lo que sí está claro es que es una obra indispensable y un cómic para reivindicar.